Não se surpreenda, leitor, com os contos deste livro de “estréia” de Luiz Roberto Guedes. Porque, embora Alguém para amar no fim de semana seja efetivamente o primeiro livro de ficção adulta do autor, com dedicação ele vem construindo uma obra de qualidade em vários nichos da criação artística. Poeta, publicou em 2000 o excelente Calendário lunático/ Erotografia de Ana K, e organizou a antologia poética paulistana Paixão por São Paulo (2004); letrista (com o pseudônimo de Paulo Flexa), assina inúmeras canções; tradutor, vem vertendo com amorosa competência a obra do poeta cubano José Kozer, entre outros.

Esta novela erótica configura um dos raríssimos casos de sadomasoquismo intelectualizado em língua portuguesa, cuja trama delineia verdadeira tese estética: não por acaso, o autor leciona na área de Letras na USP. Narrada em primeira pessoa, mas não rigorosamente autobiográfica, a viagem do professor brasileiro à capital dos submundos escapa às ambientações e aos pontos de vista já ensaiados no gênero [...]. Por trás da fria e meticulosa tortura ritualizada, desfila, à guisa de bizarro guia turístico, uma multiplicidade de cardápios: mulheres, drogas, religiões, práticas sexuais.”

Antes de tudo, é possível falar em literatura sadomasoquista? O SM, assim como homosexualidade, a pedofilia, o feminismo e a política são temas, que podem, ou não serem convertidos em escolas artísticas, entre elas, a literatura.
De que maneira se constrói a temática SM? São necessários dominadores e dominados, deve haver violência e dor convertidos em prazer, pelo menos para um dos dois, mas não apenas isso. Como diz Greimas, em sua semiótica, enquanto os castigos são oriundos de vinganças e reparações de faltas, o sadismo não depende dessas relações, uma vez que o ato sádico se completa em si mesmo. Castigos e vinganças precisam de um motivo que os acione; o sadismo se explica e justifica-se sozinho.
Correlacionado ao erotismo, o sadismo greimasiano dá forma ao tema sadomasoquista, que pode não passar de um tema entre outros temas, ou pode ser eleito como compromisso ético, estético e literário determinante. Uma antologia SM, portanto, deve ter, no mínimo, esse esclarecimento discursivo.

A literatura brasileira contemporânea, produzida na virada do século XX, é formada por muitas vozes. Além de revisões constantes do cânone literário, há os herdeiros das propostas da poesia concreta, há ainda bastante ênfase na literatura dita social, há a poesia da ação afirmativa dos movimentos negro, homossexual, etc. Entre essas muitas vozes, há a poesia feita nos cursos superiores de Letras, realizada por alunos e professores dessa área do conhecimento. A coleção FEITO NAS LETRAS, do selo [e], vem ao encontro dessa poesia e pretende ser uma das muitas manifestações dessa voz.

Para o podólatra, os pés sempre pungem. Quanto a mim, sejam imagens das Vênus do Renascimento, das santas do Barroco, sejam fotografias de atrizes, cantoras, modelos ou de minhas amigas, desde que estejam descalças, olho sempre para os pés; nem é necessário que sejam imagens visuais, a palavra basta para descrever mulheres descalças na literatura. Mesmo quando os pés não são o tema central do texto visual ou verbal, o olhar podolátra, dedicado a eles, termina por projetar seus anseios e realiza, onde muitas vezes não há, sua tematização erótica. O trabalho está dividido em três partes: na primeira, estão selecionados os textos literários, entre contos, fragmentos de romances e poesias; na segunda, há uma coletânea de depoimentos, colhidos na internet; na terceira e última parte, alguns poetas glosaram, em literatura de cordel, um mote dado pelo Glauco Mattoso.

Os bailarinos são cegos. Um vez alguém me disse. Ou eu mesmo vi. Não lembro. Cegos. Pode notar. Todos sustentados pelo olhar. A um passo do abismo. Guiados pela sombra. Sempre na ponta dos pés. Gosto disso. Desses perigos. Voos no vazio. Cheios de ritmo. Ou até: desritmados. Indo para todos os lados. Onde der. Pois é: foi assim que eu li o livro do Donny Correia. Este seu <em>Balletmanco</em>. Beleza! Este rodopio com a palavra. Gingada. Inventurada. Uma poesia que não se contém. Amém. Concreta. Nada concreta. Abstrata. Vento que bate na pétala. Despetalada. Espeta, espanta os cabelos da amada. “Temporal no bosque”. Ou: “aguácida”. Um Deus que “mija em nossas cabeças”. Diz e não diz o autor. Ele que muito me impressionou no dia em que li um conto seu na antologia “Doze”. Conto? Discorda o poeta. Porque tudo o ele quer é: “Disconcordar”. Sacodir o verbo. Espalhar as letras. Como que rejeita qualquer delicadexa. “Farto de mim mesmo.” Xô! “Assim se/ foram”. Os cupins. Os amores. “Me achei já de saída”. Que maravilha de verso! Ou o que seria? Não importa. Entre você, leitor, no corpo deste livro. Sem medo. E sem esperança. Cego de tudo. Na desonra desta contradança. (Marcelino Freire)

Vamos direto ao ponto. Qual? Que bicho é este animal de 15 cabeças? Como domá-lo? Introduzí-lo ao leitor?
Primeiro, a saber: neste livro estão reunidos 15 autores que passaram um ano fazendo o curso de criação literária da Academia Internacional de Cinema. A turma pioneira ¬– entre poetas e prosadores. (Da apresentação de Marcelino Freire)

Muito além das visões maniqueístas ou da mera idolatria recalcada sobre o futebol, o imaginário híbrido e heterodoxo deste livro, A bola entre palavras, é uma forma de radiografar o esporte mais universal e magnético que existe a partir de ângulos imparciais, não isentos de fervor literário e indagação crítica. Os 11 titulares intercontinentais deste time (e o selecionador) entram em campo com textos sem estratégias de catenaccio ou retranca, a favor de outras dimensões menos lineares. O jogo aqui é de palavras, toques de letra entre Adolfo Montejo Navas, Cristovão Tezza, Eduardo Coimbra, Lula Vanderley, Manuel da Costa Pinto, Martín Kohan, Reynaldo Damazio, Ricardo Aleixo, Teixeira Coelho, Vanderley Mendonça, Wolfgang Bock, Yamandú Canosa.

Na citação de Piero della Riva sobre este livro, o escritor italiano escreve: “Albert Camus, que não tinha nada de frívolo, confessou, em 1957, que tinha aprendido com o futebol a lição de sua vida: “depois de muitos anos em que o mundo me permitiu ter muitas experiências, do que eu tenho mais certeza em relação à moral e às obrigações devo ao futebol”. Nesta educação sentimental o escritor francês nunca esteve sozinho e parece que o time deste livro o confirma: há um passado redondo em muitos de nós, que permite enxergar o futebol com outra perspectiva, quebrando assim a dialética negativa, fatalista, de chutes e pensamento, aproximando-o da aspiração poética que, já nos anos 70, via Pier Paolo Pasolini. (...) Reunir palavras ao redor de uma bola imaginária também não é fácil. Aqui neste livro, o técnico e os onze jogadores constroem uma trama coral na qual se pode adivinhar um sortilégio de movimentos e conexões, afinidades produtivas entre as páginas que o leitor saberá descobrir paulatinamente. Em A BOLA ENTRE PALAVRAS todos sabem que a imaginação é a intuição que pode libertar da inércia ou da totalidade, duas escravidões que o melhor futebol explode com sua narrativa de iluminações”.

Antonio Vicente Seraphim Pietroforte. Um sugamusas atrás do verso, que ele encontraça mesmo em suausência. Sexyência que só aprendensina quem apreende a sina. E aqui, a pop-prosa é bailarina. Balé de leros, esgrima de rimas, este é um livrelivro replexo de faloácias, dedicantigas, concretitudes delirantes e deliramentos concretos. Um livrolivre de vivaias aplausíveis em que absinto declarasons de tesamores e protuberânsias de reverbos. Dupladose corpoética em livrovivo, que letrasua pelos paporos e falexala. Abracadabra suas alas. Suas salas. Fale comele fala. Recebessa bala.
(Marcelo Sahea, poeta)

O LADO ESCURO DA CIDADE A violência urbana se tornou um dos temas mais explorados na literatura brasileira das últimas décadas. Dezenas de autores começaram a produzir contos e romances onde a realidade respirava e transpirava sangue. Em seu novo livro, Corações de aluguel, Márcio Américo se junta a esse grupo. A diferença é que o escritor londrinense optou em abordar o tema da maneira menos usual: através do humor. Como em seu romance anterior Meninos de kichute, Márcio Américo ambienta Corações de aluguel totalmente em Londrina. A obra é uma espécie de romance policial narrado pela ótica de um criminoso sarcástico e irônico. Um sujeito chamado Beto que ganha a vida vendendo cocaína para estudantes universitários.
(Marcos Losnak, poeta e tradutor, na Folha de Londrina)

(…) os contos de Claudinei inventariam o cotidiano sul-americano neste fim de século marcado pela exclusão, o cotidiano mais pedestre e brasileiro no qual supostamente ninguém parece interessado. A começar dele próprio e de seus personagens. Assim é que com uma linguagem desprovida de emoção, uma linguagem fria — dos inventários, dos relatórios, onde não faltam cifras, números, estatísticas — o narrador se aproxima dos seus temas e personagens com um olhar paradoxalmente compassivo, humano, solidário, e este é o grande achado literário de Claudinei Vieira: a combinação da linguagem fria à visada quente, mixando imprevistamente objetividade e compaixão. Razão e sensibilidade. Pelas artes e manhas de uma poética extremamente original.
(Márcia Denser, escritora)

Um livro de poesia, naturalmente, não tem como característica necessária que os poemas relacionem-se uns com os outros de maneira a criar uma seqüência lógica, linear, consecutiva. Tampouco é assim que vejo os poemas de Dissoluções do como, como um conjunto de poemas cuja posição e relações são fixas e necessárias. Mas suspeito a princípio dos escritores – ou confio neles, depende um pouco da perspectiva – e sei que na escolha que leva a uma publicação há critérios, há algo que determina, afinal, que o livro seja configurado desta e não daquela maneira. Quando me deparei com um livro de quatro partes, todas elas dialogando e se definindo mutuamente, sem deixar de manter algum traço que as caracterizasse mais e melhor – e nisso os títulos servem como bons guias – soube que corria o risco de perder de vista a unidade da obra e, pior, a unidade de cada poema. Não é minha intenção. Os poemas são ricos, são belos, são instigantes e inspiradores, nunca será demasiado prudente insistir na autonomia que cada um deles tem. Mas repito: minha intenção aqui é de sugerir um caminho, é mais um esboço de leitura apenas. Dito isso, vamos ao que interessa.
Há uma estrofe de que gosto particularmente, e com ela convivo desde que me pus a ler este livro:

Em Do centro dos edifícios, o poeta expõe sua arquitetura; Álvaro se vale do haikai e do verso livre, além de dar forma ao que eu chamaria seus versos em “blocos”. O engenho, porém, não se limita a utilizar com desenvoltura as formas poéticas escolhidas; o diálogo realizado entre elas se estende, também, a um diálogo entre enunciadores distintos; para cada forma, há um enunciador diferente. [...] Nessa arquitetura, quando o leitor, imerso no texto, diz “eu”, ele se define em relação aos questionamentos semânticos alinhavados pelo poeta, mas também em relação às formas poéticas em que esses significados se manifestam, explicitando-se, assim, a linguagem em que são gerados. Nessa metalinguagem implícita, em que a poesia fala de como se faz poesia, Álvaro se faz conhecer como poeta sensível, antes de tudo, à engenhosidade poética e à literariedade da obra.

O mercado (açougue fashion) editorial brasileiro com sua cegueira e burrice habituais ignora ótimos originais que deveriam estar à disposição dos poucos e raros bons leito¬res deste país e do mundo. Inicio aqui uma série de resenhas desses originais. Começo por: Ela não fuma mais maconha, de Mauricio Salles Vasconcelos.
A referência mais óbvia seria A consciência de Zeno, de Italo Svevo. Algumas coisas conectam o romance de Mauricio Salles Vasconcelos ao livro do melhor amigo de James Joyce em Trieste. Uma delas é a abordagem da dimensão ontológica do vício como um elemento construtor de realidades. No livro de I.S, existe uma limitação da percepção da realidade através do absolutismo impressionista e de um estado de torpor e indiferença. Já no romance de M.S.V, uma ampliação da percepção da realidade, por fragmentos da consciência temporal delimitados pela linguagem, se apresenta como um pensamento autônomo. A voz da protagonista se liquefaz nas vozes dos outros personagens e é como se o tempo psicológico se dividisse em pedaços que sempre en¬tram em estado de estranhamento através da linguagem, que por sua vez media um conflito entre a exterioridade das coisas e a exterioridade do tempo. Se o ato de fumar, em Svevo, leva a um adensamento da dicotomia entre ser e mundo, no Ela não fuma mais maconha não ocorre propriamente um adensamento, mas um deslocamento da percepção da unidade do mundo em relação ao ser-em-fragmentos, as coisas e o tempo. São como ilhas-flutuantes que o narrador-narradora tenta costurar através de uma linguagem ora irônica, mas sem a ilusão de poder, ora metafórica, sem o dis¬tanciamento lírico, porém, e nisto se encerram as conexões entre Ela não fuma mais maconha e A consciência de Zeno.
Outro vaso comunicante com o romance de M.S.V. é a obra de José Agrippino de Paula, no modo como o autor de Ela não fuma mais maconha expõe a cidade como a dimensão de um onirismo objetivado pelas coisas e em como a protagonista, vivendo em um status de movimentação através dos tempos interiores, chega até a borda de um devir inaugural. Ocorre, aí, um processo que me lembrou o final de A última tentação de Cristo, de Kazantzakis-Scorsese, uma grande volta onto-temporal dentro do fulgor de um instante. O romance de M.S.V. consegue “dar conta” de uma realidade/alteridade que se conecta e se desconecta de si mesma e do seu entorno, como um site interior. Um abraço no alto da montanha das afetividades.

Jaa Torrano revela-nos, neste livro, sua obra poética, apresentada em duas partes: “Satory story – Exercitia cachimbualia” e “A esfera e os dias – Poemas tirsfóricos”, que dá o título ao volume. Nele o leitor encontrará o exercício profíuo de um autor que busca tecer, em sua poesia – dotada de humor e profundidade – uma intrincado mundo movido pelo questionamento constante acerca dos “graus de verdade do conhecimento”.

Tamara Sender tenta captar o óbvio e desnaturalizá-lo, mostrando o absurdo da experiência cotidiana a partir de situações prosaicas. Sua narradora tem dificuldades de “aceitar os limites da vida” porque todo contato com o mundo prático se revela penoso. Ela luta desesperadamente para não lutar, para não tomar parte nesse mundo, assumindo uma atitude estética e se refugiando na escrita de uma espécie de diário e de sucessivos e-mails a um amigo que nunca encontra. O espantoso é que a leitura desse romance não é ela mesma penosa, mas todo o contrário – porque nos revela que não há revelações e, nesse sentido, nos empresta, sem alarde, uma sensação de liberdade suave.

Os contos de Giselle Maria podem se classificar como do tipo “sim, mas”. Sim, eles se mostram profundamente emotivos, mas de nenhum modo piegas. Sim, o humor que os perpassa é indubitavelmente negro, mas o espírito que os anima revela-se igualmente generoso. Sim, eles tratam de situações comuns vividas por pessoas comuns, como se fossem realistas, mas através de uma estética deliciosamente surrealista.

Sim, dão voz e visibilidade àquelas pessoas comuns, mas não as transformam em vítimas ou em coitadinhas. Sim, esses contos desmontam todos os clichês da música, da mídia, da educação, da política e da religião sobre a tal da “gente humilde”, mas a partir de uma profunda fé na possibilidade da transcendência. Em resumo e sem qualquer exagero: cada um dos contos de Giselle Maria é uma pequena obra-prima.

ouço seu olhar
entre ranhuras
afogo ideias
fendas falo
pelos cotovelos
da imagem atravesso
seu estouro contido sobre
pedaços de ponte entre
paisagem e passagem
pulo sua luz estremeço
seus contrastes
desamarro seus duplos
corroo com ferro
e esperas colho
sedimentos embrulho
rastros de água
arrasto abraços
entro saio
caio da foto
no poema

Uma das características mais visíveis da poética de Beatriz Bajo é que ela transcende a busca de uma voz feminina e até abdica disso em nome de algo maior e mais honesto. Em nome do partido da palavra como exploração de um vasto espectro de sensações, que respiram dentro da dimensão do corpo, e não apenas do corpo feminino, mas do corpo como um símbolo como podemos notar nesse fragmento do poema Uma árvore pousa em meus olhos: “Uma árvore pousa em meus olhos, no tempo em que uma princesa dobra a esquina e é sempre essa atrevida folha que cai entre a brisa e o breu quando o vento descortina a pele.” ou nesse outro fragmento de outro poema: “cada beijo é como comer borboletas/para que as matizes de dentro se libertem, se debatam/no assanhar das asas/entre predicados que traquinam no diafragma...”

O livro é constituido pelas narrativas dos seis filhos de dona Silva, em relatos alinhavados pelas referências à figura primordial da mãe, personagem nuclear destas "histórias de fome, frio, e de sofrimentos diversos entre a exploração, a humilhação e o racismo com que eram (e ainda são) tratados os chamados "baianos" em São Paulo. Mas são também histórias de solidariedades e conflitos, de lutas pessoais pela profissionalização, pela educação, pela moradia, pela criação dos filhos, pela dignidade, sem contar com nenhum apoio a não ser aquela imensa força e ternura que lhes foi legada por seus pais. Além dessas narrativas, seus pais deixaram depoimentos pontuados de histórias maravilhosas, memórias da escravidão, da abolição, e da diversão do povo em ver os desfiles dos "camisas verdes" a gritar "anauê". É um livro que ilustra e encanta, no qual cientistas sociais e historiadores, ou outros leitores em busca de boas histórias, encontrarão ricos mananciais para o espírito e reflexões sobre a condição humana.

IT´S A MAN´S WORD Universo que de certa forma se revela ao longo da leitura, em samplers e imagens: gols, balas, michês, tygres, quintal, cachaça, coturnos, beco, batucada, corvo, berimbau, travestis, nabokov, dj, blow job, cretinos, vampiros, pivetes, caboclos, bêbados, enxadristas, pôquer, buster keaton, taxistas. Imagens estas mescladas e metamorfoseadas na escrita dos oito autores entre sensações, temáticas, subjetividades e formas distintas. As Fomes de formas, título desta antologia, representam uma crise pós-moderna de um século maciçamente bombardeado pelas imagens. Como afinar a escrita e a forma nesta época intensamente visual? É preciso audácia, que não falta a estes oito autores, e instinto. Saber apostar bem, com inteligência e estratégia, como no jogo. (Virna Teixeira, poeta e tradutora)

A literatura brasileira contemporânea, produzida na virada do século XX, é formada por muitas vozes. Além de revisões constantes do cânone literário, há os herdeiros das propostas da poesia concreta, há ainda bastante ênfase na literatura dita social, há a poesia da ação afirmativa dos movimentos negro, homossexual, etc. Entre essas muitas vozes, há a poesia feita nos cursos superiores de Letras, realizada por alunos e professores dessa área do conhecimento. A coleção FEITO NAS LETRAS, do selo [e], vem ao encontro dessa poesia e pretende ser uma das muitas manifestações dessa voz.

Sou um personagem deste livro; aliás, sou uma referência literária, ou ainda uma citação. Comentar o romance no qual sou um dos elementos narrativos, portanto, apenas acrescentará mais um elo na cadeia da intertextualidade, que aliás é uma das pedras-de-toque para a compreensão desta obra de Antônio Vicente Seraphim Pietroforte. Lendo as páginas deste livro, você será apresentado a Marina, leitora de Figuras Metálicas, para quem “fazer poesia é como fazer tatuagem”, frase que ecoa Severo Sarduy, autor de Escrito sobre um corpo, e ainda Peter Greenaway, diretor do filme Livro de Cabeceira. A inscrição de palavras na pele, convertida em página, é uma metáfora da eroticidade da escrita, a violação do corpo pelo alfabeto, mas também possui uma dimensão mágica, ritualística, e outra intersemiótica, que aponta para a quebra de fronteiras entre repertórios, códigos e gêneros, entre vida e linguagem. Estas anotações, breves e superficiais, são apenas pontos de partida para uma primeira reflexãosobre o fabulário engenhoso proposto por Antônio Vicente Seraphim Pietroforte, que faz do romance um fascinante quebra-cabeças ou caleidoscópio em que referências literárias misturam-se a outras da música popular e erudita, do cinema, da ciência, da filosofia, do universo pop, sem nunca perder o fio da narrativa e o cuidado na elaboração de cada personagem. É como se fosse uma enciclopédia adaptada para a história em quadrinhos. É como se fosse uma história em quadrinhos adaptada para o jazz. É como se fosse o jazz adaptado para um filme de avant-garde. É como se fosse um filme de avant-garde adaptado para a poesia de Claudio Daniel. É como se fosse a poesia de Claudio Daniel tatuada no corpo nu de Marina.

Lápis e Pincel é uma conversa entre os desenhos e alguns dos poemas que a artista produziu nos últimos dois anos. “Como artista plástica, meu trabalho sempre resultou da materialização dos meus pensamentos, enquanto os poemas são pensamentos em palavras”, resume a autora.

O livro, confeccionado artesanalmente, inclui a reprodução de 26 desenhos feitos por Claudia Amorim.

Elementos de O livro das músicas, do linguista-poeta (ou poeta-linguista) Antonio Vicente Seraphim Pietroforte parecem reviver algo da procura obstinada de Ferdinand de Saussure pelos anagramas na poesia latina, revelando “palavras sob as palavras”. Isso não será acaso: este autor-professor saussureano tem, que eu saiba, nos famosos anagramas uma referência para a compreenssão do que poderíamos chamar de linguagem poética. E não à toa isso ocorre: mesmo alguns poetas e teóricos que não compartilham de postulados erigidos pelo grande linguista suíço veem neste seu trabalho oculto (e abandonado) a grande contribuição do mestre para o estudo da poesia. Mas Antonio Vicente, arguto revisor e redefinidor das coisas e dos pensamentos, manifestante hábil de rebeldia com causa estético-literária, não descobrirá nomes ocultos em seus textos; antes, dará à luz fragmentos que, advindos de nomes femininos e qualificativos das personagens, parecem despir o verbo de sentido, para dar lhe uma ocorrência ressignificadora, por via “Estocástica”: num poema com esse nome, aponta-se para diversos sentidos dessa palavra – a aleatoriedade, identificando elementos inesperados, a técnica composicional de Xenakis, de base estatística, a conjectura, a evocar a origem grega da palavra, stokhastikós, “hábil para dar no alvo, conjecturar, arte de conjecturar”. O poema segue transformando-se, a mudar seu teor, no terreno entre a busca e o acaso, para converter-se numa “Declaração de amor minimalista”, a funcionar com segmentos que se repetem minimalisticamente.

Já disse, faria copy/paste do que fosse interessante, e além do mais este é de um amigo que estimo”, escreveu o poeta Raúl Zurita, sobre o livro Coma, de Héctor Hernández Montecinos, coletânea de vários outros livros e no qual contas este Livro universal. Ainda, segundo o grande poeta chileno conhecido por suas “interferências poéticas”, “esta não é uma obra individual, mas uma obra coletiva que representa a agonia de uma geração. É um buraco negro que succiona todos os textos que orbitam as proximidades do campo gravitacional do seu autor, tragando gêneros, disciplinas artísticas, campos textuais. Comas (palavra com duplo sentido, em espanhol, que significa coma e vírgula) morrem para que vivam as novas escrituras.

As águas desciam em faixas coloridas dando a impressão de um pano de fundo. Era como uma bandeira tremulante, confundindo as três cores, marrom, amarelo e chumbo. A cada momento aquela tela se modificava mostrando um panorama diferente. Em meio àquela transfiguração, às vezes uma árvore era mostrada. Os seus galhos retorcidos davam nova vida ao quadro. Animais mortos também eram inclusos naquela paisagem. Os urubus realçavam o panorama na disputa pelo melhor pedaço. Ao longo da descida, corpos de animais em decomposição serviam como embarcação para outros amedrontados que tentavam sobreviver. Animais silvestres e domésticos disputavam os troncos de árvores que desciam a cada minuto. De repente houve uma gritaria. É um homem! É um homem! Cadê? Cadê? Olhe lá! Olhe lá! É mesmo. do conto (Melancias)

Menthalos é uma “epopéia pessoal”, mas na medida que dialoga com temas sociais – o sadomasoquismo, a religião, a música e a semiótica – a HQ ganha uma inserção menos subjetiva e pode alcançar seus possíveis leitores, descentralizando-se, exclusivamente dos gostos e da formação de quem a concedeu. Numa primeira leitura, Menthalos pode parecer fruto de delírios gráficos, cujo texto teria a única função de coordenar imagens quase aleatórias, com frases muitas vezes sem sentido imediato, todavia, as articulações entre os temas e as figuras vão além disso. Uma citação – e em Menthalos há várias delas – não tem apenas a função de ornamentar o discurso, mas de promover diálogos que trazem, para dentro, outros textos em relação aos quais tal discurso se define; trata-se de estabelecer ligações conceituais das quais o leitor se deve valer para a fruição da história.

Se necessário fosse, este livro poderia ser catalogado como um livro-experiência. Um livro originado numa experiência e que reivindica incitar alguma experiência naquele que tiver disposição para nele enveredar por algum tempo. (...) A experiência a que ele se reporta é aquela dos trabalhos desenvolvidos junto à disciplina EDF290: Práticas escolares, contemporaneidade e processos de subjetivação (...) Dela nasceram os 400 textos que compõem o núcleo desta publicação, oriundos de parte da produção escrita dos alunos que a frequentaram nos seis últimos semestres letivos em que foi oferecida. (...) O universo textual selecionado abrange produções de 222 alunos, o que significa que, em muitos casos, há mais de um texto por autor/autora." (Da apresentação de Júlio Groppa Aquino)

O QUE SE PASSA ANTES, DURANTE E DEPOIS A estréia como poeta do então cineasta foi temporã, o que permitiu a Paulo Leminski, no prefácio em versos a O caderno erótico de Sylvio Back (1986), observar que esta "não era provável/mas era possível". No novo livro, o poeta desmonstra influências que combinam as formas sintéticas e minimalistas muito típicas daquele prefaciador; e ainda apreço pelas diretrizes da poesia práxis e, em casos mais raros, do concretismo. Ora fesceninos, ora alusivos, ora puramente pornográficos, os poemas de Sylvio Back dizem respeito ao encontro entre homem e mulher: alternam, em versão explícita, as cantigas d'amor e as cantigas d'amigo, nas quais os galanteios modulam gritos e sussurros quando na forma de diálogos (…) (Felipe Fortuna, JB Idéias & Livros)

DESCAMINHOS MESCLADOS AO COTIDIANO DA CIDADE Os poemas de Ademir Assunção e Antonio Vicente Seraphim Pietroforte abrigam uma São Paulo de feições radicais e intragáveis – é um mundo de sexo, drogas, morte, prazer, alucinação. São descaminhos que se mesclam com a vida citadina. São trabalhos que remetem à geração beat. Ora líricos, ora irônicos, os poemas têm alto teor polissêmico, oferecendo ao leitor vários caminhos interpretativos. A musa desses poetas inspira um mundo pautado por elementos considerados nada saudáveis atualmente, os quais podem ser considerados como uma resistência a uma existência devotada tão-somente à capacidade de produzir e de consumir. O livro traz ilustrações de Carlos Carah. (Francisco Quinteiro Pires, O Estado de S. Paulo)

Em Nada a dizer, Marcelo Sahea leva a palavra até a dimensão de um signo da interioridade. É como se elas, as palavras, estivessem em busca de sua própria realidade e praticassem um discurso autônomo sobre a vida do corpo. Em Nada a dizer há uma tensão permanente entre a vida do corpo e a vida das palavras e essa tensão é mediada por objetos deslocados de sua função e resignificados pela lógica da poesia como em Joan Brossa. Sahea opta pela construção de uma comicidade do indizível (quase escrevo cosmicidade do indizível). As duas frases como em uma dialética negativa servem para descrever seu trabalho com os objetos. Ele utiliza recursos de construção dos poetas concretos, mas bebe na fonte do Finnegans Wake de Joyce (um Finnegans Wake reescrito por Groucho Marx). O que interessa a Sahea é a criação de significados carregados de uma sutilíssima crítica ao status neutro e esvaziado que a linguagem adquiriu em nossos dias.

Olhos da Loba é a singular e fascinante história de um romance vivido nos anos duros do comunismo em Praga, na República Checa, e no Brasil. Baseado em narrativas de checos radicados em São Paulo, o livro conta a história de um amor destroçado pela Segunda Guerra na Europa, e que renasce na distância apesar das condições adversas do período marcado pela Cortina de Ferro e pela Guerra Fria. Entretanto, um desfecho surpreendente mostra que nem todas as feridas podem ser cicatrizadas.

Markéta Pilátová, professora de língua checa, viveu dois anos no Mato Grosso do Sul e em São Paulo, lecionando e ouvindo inúmeras histórias de seus compatriotas. A partir delas, criou este livro que apresenta uma peculiar visão europeia sobre o Brasil, o olhar dos checos que aceitaram o país como sua nova morada.

Markéta Pilátová (1.2.1973, Kromeriz, República Checa) Escritora, hispanista e jornalista. Formou se em Línguas Romanas e História pela Universidade de Palacký em Olomouc, República Checa, onde trabalhou seis anos como assistente especial. Durante dois anos lecionou no Departamento de Línguas Eslavas da Universidade de Granada, Espanha. Foi redatora do jornal checo Respekt e colaboradora de diversos órgãos de mídia checos com resenhas e contos. Há cinco anos ensina checo aos descendentes de imigrantes no Brasil e na Argentina.

Olhos de loba, seu primeiro romance, foi publicado originalmente em checo (Torst, 2007), depois em alemão (Residenz Verlag, Austria, 2010) e sairá em espanhol (ainda em 2010) e polonês (2011). Em 2009 publicou seu segundo romance, Meu livro preferido (Torst, 2009). O dois livros foram indicados para o prêmio literário checo Magnesia Litera. Atualmente, vive em Buenos Aires.

EU VI O CORDEIRO DE DEUS CHAPADO” Antonio Vicente Seraphim Pietroforte não é apenas um tarado mental (todo escritor é, em certo sentido). O que quero dizer é que sua poesia, “desejo explícito”, recusa divisões, cristãs ou platônicas, mente e corpo, universidade e rua, centauros e sonetos, Augusto de Campos e Roberto Piva, Cristo e Agni Tara, vedas e novenas. Como se num sex shop da sintaxe, Vicente corporifica sua busca – e esse é o ponto – sexualizando a linguagem, fuçando com a escrita os decotes de tudo, Teseu e Minotauro no espelho um do outro. (Marcelo Montenegro, poeta)

De onde saem tantos excessos? Carmela cara de cólica, Bolinha e Luluzinha, Zangão e Ronald Golias, Carlota, Maria Clara e Ana Maria, Verônica Vox, Daniela e Marina - são personagens que transitam habilmente no limite de existências extremas, que se comprazem na dor, na paixão, no espelho. Maior é o sentimento que o sentido. O narrador nega movimentos conclusivos investindo de forma acintosa no delírio da razão, gozando o sentimento poético da máquina do mundo nos olhos de Maria Clara e seus companheiros de papel.

No poemário em português da jovem poeta Sónia Bettencourt Vieira, latem sonhos e desejos, perguntas e emoções intensas que se debatem nos labirintos e nas incertezas e buscam a cumplicidade dos elementos da natureza, com os quais a autora se identifica. (ESCAPARATE - perso.wanadoo.es)

... ouvia pela primeira vez Rui Mascarenhas declamando uma poesia sua no Museu da Língua Portuguesa; em meio a alguns poetas bastante sérios, outros mais sisudos, os gritos de Rui vinham ao encontro de ares bem diferentes. Uma poesia para ser declamada – os versos no papel, que eu havia lido antes de ouvir, pareceriam depois uma partitura diante da música ao vivo. [...] Rui compõe de modo semelhante a Allen Ginsberg ou Roberto Piva, que, respectivamente, em poemas como Uivo ou Eu vi os anjos de Sodoma, estabilizam um mote – seja esse mote uma frase, uma palavra, um fonema ou um tema – e a partir dele desenvolvem o fluxo entoativo.

Este romance baseia-se na história real de Luiz e Rosa, que durante doze anos trocaram cartas para superar a distância e manter um amor. Christiano Sensi, entremeando as cartas originais com um texto virtuoso e emocionante, conta a luta do casal, separado em 1929, quando Luiz deixa o interior de São Paulo para tentar reconstruir a vida na capital. A narração é feita pelo neto de Luiz e Rosa, que anos depois, com os avós idosos, tenta remontar a comovente história dos dois. Tempos distintos se encontram no enredo: a crise do café dos anos 20, as incertezas de um amor duradouro, o abandono dos idosos na sociedade contemporânea.

Instigante história em quadrinhos que se desenvolve a partir do seqüestro de Maria e da captura de Marcos por capangas do sr. Bartolomeu. Em fuga, o casal transita por florestas, rios, chega a São Paulo de tempos antigos, caminha entre soldados prestes a fazer a revolução, e volta a São Paulo do século XXI. Um história instigante contada pelo talentoso quadrinho de Caio Ferrari Martins.

(...) a certa altura deste seu Processionárias, num entre parênteses e com um corpo de letra maior, uma espécie de grito que abre as linhas para um espaço vasto, que “(a energia interminável das aparências é irrefragável na natureza dos terraplenos da vacuidade)”. É a linha espiralada que monta o termo, como elemento e como fim, mas também como começo. Assim, processionárias, o termo, parece ter a ver com prossecução, com um ato e com um efeito de ir adiante, com um moto contínuo, com uma esfera cosmogônica, circular e colérica. E toda cólera é paradoxal, muitas vezes enquanto se move pode também não conseguir se mover, mesmo que se elabore para isso. (Manoel Ricardo de Lima, escritor e professor)

Terceiro livro de Ivan Hegenberg, Puro enquanto reflete dez anos de trabalho, tendo como ponto de partida a anotação de centenas de sonhos. Com influências ecléticas como os beatniks, Clarice Lispector e James Joyce, o livro se projeta em linguagem própria, tortuosa como o caminho onírico. A narrativa se faz pelo avesso, com um mergulho no inconsciente do qual emergem contornos e acontecimentos tão intensos quanto voláteis, já que o personagem, em coma, duela com a dificuldade de despertar.

Já pensaram para onde foram as icamiabas se, como dizem os caboclos, não foram mortas pelos colonizadores? Jamais derrotadas seriam guerreiras de tão grande coragem. Foram para o fundo do rio. Vivem até hoje no Rio Tocantins e pelo mundo a fora. Compõem uma nação original, mestiça de indígenas, brancos e cetáceos, uma utopia em floresta submersa.

(…) na liminaridade entre as fronteiras da Antropologia e da Literatura. As imagens tecidas por Deborah permitem antever uma experiência etnográfica a compor seu relato, como um desafio, uma motivação para pensar, um conhecimento que não se fecha – unita multiplex – que se abre a infinitos diálogos. (…)

A presente antologia é o resultado do projeto "As treze visões do largo Treze", premiado pelo VAI 2008. Foram reunidos poetas de diversas partes de São Paulo, que possuíam vínculos com Santo Amaro. A partir da idéia inicial de promover arte e cultura pela região e de dialogar com moradores de rua e de albergues, foram feitas oficinas literárias na Casa Amarela e iniciadas as atividades de escrita e preparação do livro, com o debate dos 13 temas escolhidos para fazer referências ao local:

1) “O preço da fantasia” - as prostitutas do largo 13;
2) “Hoje: a curva da praça” - a Praça Floriano Peixoto;
3) “Metrô: do nada ao sonho” - a linha lilás do metrô;
4) “A informalidade legal” - os ambulantes;
5) “Prisão, a praça é do povo!” - as grades como opressão à liberdade na Praça Floriano Peixoto;
6) “Seu Paulo de Santo Amaro” - memória e homenagem ao poeta Paulo Eiró;
7) “13 de maio: Quilombo ou senzala?” - discussão a respeito da data de libertação dos escravos e referências ao local, ontem, hoje, sempre;
8) “Santo Amaro de vários artistas” - ode aos artistas locais e das proximidades;
9) “Giro noturno” - uma proposta embriagada de passeio por Santo Amaro;
10) “A cidade que virou bairro” - a história do lugar;
11) “As tribos de Santo Amaro” - a diversidade cultural;
12) “O liquidificador” - Santo Amaro e suas misturas, migrações e imigrações;
13) “Reciclando Santo Amaro”- relações entre literatura e meio ambiente.

Enfim, treze temas, treze poetas, uma fotógrafa e um ilustrador, todos para compor um livro de poesias, pronto para promover diálogos e abrir caminhos de produção literária no Brasil, aptos para valorizar os discursos em Língua Portuguesa.(ANTONIO VICENTE SERAPHIM PIETROFORTE)

Sturm und Drang é um poema retórico, longo, épico. A primeira versão, de 1983, tinha seis cantos, 32 páginas. Ousado na forma e no tema, ei-lo de volta, ampliado e aparado, 27 anos depois, com sua inequívoca tangência com O Guesa, de Sousândrade, com o encanto do ritmo e as possibilidades líricas e literárias do gênero, pois o título já prenunciava sua explosiva identidade com a escola pré-romântica alemã do século 18.

Neste livro, a poesia se assemelha muito mais à vida (regida pelo acaso) do que à prosa, que precisa ser verossímil. O poema tem essa liberdade da dispersão, pois é constituído de sensações, que serão captadas pela alma do leitor. Serão mais lidas pelo espírito do que pelo cérebro.

Nunca imaginei que fosse conhecer um homem iluminado. Muito menos que isso fosse acontecer em um supermercado em Ipanema, no Rio.
Sempre me interessei pela vida dos santos cristãos, rabinos hassídicos, lamas budistas, sufis muçulmanos e, principalmente, pelos iogues da Índia. O primeiro livro que li e que despertou meu interesse foi sobre Lobsang Rampa, a história fictícia de um monge tibetano cujo olho espiritual é aberto numa operação cirúrgica. Absurdo, mas que aos doze anos me deixou maravilhado, principalmente suas aventuras pelo Tibet. Li depois sobre a vida de Buda, Moisés, Jesus, Gandhi, Yogananda, Ramakrishna. Mas encontrar alguém assim no supermercado Zona Sul, quinze para meia-noite de uma terça-feira.

A literatura brasileira contemporânea, produzida na virada do século XX, é formada por muitas vozes. Além de revisões constantes do cânone literário, há os herdeiros das propostas da poesia concreta, há ainda bastante ênfase na literatura dita social, há a poesia da ação afirmativa dos movimentos negro, homossexual, etc. Entre essas muitas vozes, há a poesia feita nos cursos superiores de Letras, realizada por alunos e professores dessa área do conhecimento. A coleção FEITO NAS LETRAS, do selo [e], vem ao encontro dessa poesia e pretende ser uma das muitas manifestações dessa voz.

“Em abril de 2008, os cinco integrantes do projeto Expedição Francisco, contemplado com recursos pelo programa Conexão Artes Visuais da Funarte, percorreram o Rio São Francisco de Januária (MG) até sua foz, em Piaçabuçu (AL), realizando performances artísticas que propunham, cada uma, sua relação específica com o rio, bem como uma tentativa particular de entender questões que se colocam para a arte contemporânea no momento em que ela se dirige a espaços distantes do circuito artístico de cidades como São Paulo. Direcionando para a pesquisa, o projeto Expedição Francisco se propunha a compreender a maneira pela qual nosso trabalho de arte contemporânea se transformaria pelo contato com o Rio São Francisco em momento chave, marcado pelo início das obras de transposição das suas águas. Optamos por não dissolver artificialmente as muitas controvérsias que envolvem os temas de que tratamos, deixando que um texto conteste e contradiga o outro. Cientes de que nossa contribuição ao debate da transposição não terá o mesmo aprofundamento e rigor de um trabalho sociológico escrito por especialistas, aproveitamo-nos da qualidade de artistas para fazer aproximações entre as dificuldades que encontramos para realizar nosso projeto e as tensões do momento político atual do Rio São Francisco que, se poderiam soar descabidas de um ponto de vista teórico rigoroso, arriscamos dizer que são pertinentes.” (Luísa Nóbrega)

Valor de uso persegue, com a concisão própria da poesia tal como é considerada pela óptica do poeta que o engendrou, um alvo ambicioso: associar a circunstância, o mínimo, o efêmero, à intemporalidade. Uma das questões mais cotidianas e características de nossa época – a da instituição da réplica e do plágio como indústria, do falso como fonte de produção de valor -, abre-se a uma questão maior: os fundamentos e implicações do nome, da identidade, da existência, da criação. Por meio de um modo de imitação e de apropriação como instrumento de composição poética, alça-se, a partir do banal, o vôo para uma discussão que se atinge de várias instâncias do conhecimento, desembocando na âmbito da negação e da afirmação do divino, da incerteza e da permanência do conflito como um eterno recomeço da presença do homem